Sandeep Narayan intervija: “Es vēlos, lai mans koncerts būtu pēc iespējas īsts un patiess”

Karnātiskais klasiskais vokālists Sandeep Narayan tic mūsdienu vērtībām, pat praktizējot konservatīvo mākslu. Vai vēlaties zināt, kurš bija zvaigžņu mūziķis, kurš viņu apmācīja un veidoja viņa perspektīvas mākslā un dzīvē? Izlasiet šo saistošo sarunu.

Karnātiskais klasiskās vokālists Sandeep Narayan uzstājas koncertā. (Express foto: Ramanathan Iyer)

Bērna izvešana no skolas ASV veidošanās gados un nosūtīšana uz Čenaju, lai mācītos karnevātisko mūziku, bija diezgan neparasta ideja deviņdesmitajos gados. Neviens to iepriekš nebija darījis, bet naraji Losandželosā bija tik carnatic mūzikas cienītāji, ka uzskatīja, ka viņu talantīgais dēls nedrīkst palaist garām priekšrocību, ko viņa vecuma bērni baudīja Čennai.

Viņu dēlam bija tikai 11 gadu un viņš, protams, bija noskaņots uz mūziku, jo viss, ko viņš mājās dzirdēja kopš agras bērnības, bija karnātiskā mūzika. Kopš četru gadu vecuma viņš bija mācījies Carnatic mūziku no savas mātes Šubhas Narajana, kurai pašai bija labi pazīstama muzikālā ciltsraksti. Bet, tā kā jaunais zēns kļuva pārāk rotaļīgs, viņa vecāki uzskatīja, ka viņam vajadzētu oficiāli mācīties no cita guru. Viņi jautāja Chennai bāzētajam flautu maestro N Ramani, kurš mācīja Sandeep vecākajam brālim flautu, vai viņš varētu palīdzēt. Ramani pēc ilgām pārdomām ieteica zēnam ierasties Indijā un mācīties no Kalkutas KS Krišnamurthi, pazīstama muzikologa un ļoti pieprasīta vecāko izpildītāju skolotāja.

Krišnamurti lūgums bija nedaudz neparasts, jo viņš nebija mācījis nevienu NRI, nemaz nerunājot par bērnu, izņemot tos, kuri, iespējams, bija no ģimenēm, kuras pastāvīgi pārcēlušās uz Indiju. Viņš pamēģināja Ramani dēļ, bija pārsteigts par zēna agrīnajām mācībām un asprātību un ļāva viņam mācīties viņa vadībā.

Zēns kopā ar māti palika Indijā apmēram 18 mēnešus un Krishnamurti vadībā izgāja diezgan stingras mācības, kas bija piepildītas ar nodarbībām, koncertiem un nemitīgu praksi. Kad viņš atgriezās ASV, viņam bija spēcīgs pamats, daudz spēcīgāka pieķeršanās klasiskajai mūzikai un dziļa vēlme to padarīt par lielu Carnatic mūzikā. Viņš turpināja trenēties Krišnamurthi vadībā, izmantojot savus ierakstus un tiešās nodarbības Čennai vasaras un ziemas brīvdienās.

Lasīt | Akkarai Sisters: “Karnātiskā mūzika ir spontāna māksla, nevis kaut kas, ko var atkārtot līdz pilnībai”

Diemžēl zēnam Krišnamurti nomira trīs gadu laikā, un viņš palika bez līdzīga kalibra skolotāja. Bet šoreiz ģimenei nebija jāmeklē cits guru, jo zēns, būdams pusaudzis, jau bija pievērsis acis jaunam guru, kurš jau bija zvaigzne un Krišnamurti vecākais māceklis . Zēns, kurš joprojām dzīvo ASV un dodas uz Indiju reizi divos gados, mācījās no sava jaunā guru nākamajiem 15 gadiem, un tagad viņš ir viens no retajiem mūsdienu Carnatic mūziķiem, kurš iemācījies stilu, kas raksturīgs tikai viņa paša guru. Apmācības kopā ar jauno guru mainīja dzīvi, un zēns 2006. gadā pēc bakalaura studiju pabeigšanas pastāvīgi pārcēlās uz Čenaju. Tagad viņš ir viena no jaunākās Carnatic mūziķu paaudzes zvaigznēm un pirmais indiešu izcelsmes amerikāņu bērns, kurš padarīja Carnatic mūziku par karjeru Indijā.

Šis ir stāsts par Sandeep Narayan, foršo Carnatic mūzikas puisi, kurš ir pazīstams ar klasicismam, izpausmēm un improvizācijai bagātu stilu. Viņš ir galvenais dziedātājs Čennai Sabhas, tostarp Madras mūzikas akadēmijā, un ir ļoti pieprasīts klasiskais izpildītājs arī citās Indijas pilsētās. Viņš ir arī viens no jaunākās paaudzes klasiskajiem mūziķiem, kas spēj pārnest mākslu uz jauno paaudzi un šķērsot auditoriju.

Sandeep, apveltīts ar pievilcīgu balsi, kas ir elastīga un spēj bez piepūles pārvietoties pa oktāvām, un ir atzīmēta ar savu izteiksmīgo stilu, ir apburošs izpildītājs, kas piesaista iespaidīgus klasiskās mūzikas pazinējus no visām vecuma grupām gan Chennai, gan citur. Viņš ir diezgan prasmīgs visos klasiskās dziedāšanas aspektos, un viņa stils ir bagāts ar labi veidotām gamakām, brigādēm un pievilcīgām mūzikas skaņām, kas padara Carnatic mūziku pievilcīgu pat lajiem. Viņa dziedājumam raksturīgā laja gan lēnā, gan lielā ātrumā viņa mūzikai piešķir zināmu skaidrību, nosvērtību un patīkamu gaitu. Viņa labi izkoptās klasiskās tehnikas un apzināta saskarsme ar citiem mūzikas un mākslas veidiem padara viņa improvizācijas burvīgas un pārliecinošas neatkarīgi no tā, vai tās ir raga dziedāšana, neraval (dziedāšanas improvizācija atturēties no galvenās kompozīcijas), kalpanaswaras (kurā dziedātājs iesaistās) izdomas bagāta raga notu prezentācija) un pats galvenais - Raga Tanam Pallavi (RTP), kas nosaka Carnatic dziedātāja tehnisko un radošo daudzpusību.

Sandeep ir saņēmis daudzus reģionālos un valsts apbalvojumus. Viņš ir bijis labākais mūzikas izpildītājs Mūzikas akadēmijā un saņēmis daudzus titulus, piemēram, Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar no Sangeet Natak Akademi pagājušajā gadā.

cik daudz dažādu ozolu tur ir

Viņu nedaudz unikālu padara arī fakts, ka viņš nav vecā stila konservatīvs dziedātājs Carnatic. Iespējams, jūs varat viņu saukt par mūsdienu konservatīvo, kas nozīmē, ka viņš tic mūsdienu vērtībām, pat praktizējot konservatīvo mākslu. Un tādi mūziķi kā viņš parāda, ka pat vecāka gadagājuma māksla, piemēram, Carnatic mūzika, var būt diezgan mūsdienīga un tālredzīga.

Vai vēlaties zināt, kurš bija zvaigžņu mūziķis, kurš viņu apmācīja un veidoja viņa perspektīvas mākslā un dzīvē? Izlasiet šo saistošo sarunu.

Sandeep Narayan saņem SNA Yuva Puraskar no Manipūras gubernatora Najma Heptullah 2019.

Ļaujiet man sākt no sākuma. Jūs bijāt pirmais virzītājspēks kā pirmais indiešu izcelsmes amerikāņu bērns, kurš izvēlējās karjeru Indijā kā karjeru Indijā. Kā tas notika un ko jūtat, atskatoties? Vai jums bija daudz jāpielāgo dzīvesveids?

Tajā laikā es, iespējams, nezināju, ko darīt, un tas bija eksperiments, kas galu galā nostrādāja. Es noteikti zināju, ka vēlos būt Carnatic mūzikā un to var izdarīt tikai Čennai. Dzīvesveida pielāgošanas ziņā man nebija problēmu, jo mūzika bija svarīgāka par visu citu: mācīties mūziku, apmeklēt koncertus un galu galā uzstāties. Tie bija mērķi. Patiesībā es nepiekrītu cilvēkiem, kuri saka, ka dzīves līmenis šeit ir zemāks, jo tas ir atkarīgs no tā, ko jūs meklējat un kādas ir jūsu vērtības. Varu apgalvot, ka dzīves līmenis šeit patiesībā ir labāks. Šeit jūs daudz vieglāk iegūstat daudzas lietas, kas padara jūsu dzīvi laimīgāku. Piemēram, ja es vēlos iedzert tasi čai, man nav jābrauc uz Starbucks, es varu staigāt dažas pēdas līdz jebkurai tējas kadai (veikalam)! Man arī šeit ir brīnišķīgi draugi. Atklāti sakot, esmu diezgan laimīga.

Vai bija viegli pielāgoties indiešu guru mūzikas sistēmā, kas pat šodien šķiet diezgan konservatīva?

Mans pirmais guru Čenajā, KSK Mama (KS Krishnamurti), nebija ļoti pareizticīgs, un mēs ļoti labi sapratāmies. Tas bija smieklīgi, ka bija šis 11 gadus vecais bērns ar ļoti spēcīgu amerikāņu akcentu, kurš vēlējās mācīties mūziku no vecāka vidvana. Viņš bija nedaudz skeptisks, bet, izdzirdējis mani dziedam, bija laimīgs. Pēc mūsu pirmās nodarbības viņš man teica, ka sāks mani mācīt augstākā līmenī, jo uzskatīja, ka esmu spējīgāks par sava vecuma bērniem. Starp mums noteikti kaut kas noklikšķināja.

Kopš 1996. gada jūs ieradāties Indijā, lai mācītos Kalkutas Krišnamurti vadībā, un pēc viņa aiziešanas jūs pārgājāt pie cita guru un ilgu laiku mācījāties viņa vadībā, līdz kļuvāt diezgan neatkarīgs. Vai varat aprakstīt savu kā mūziķa evolūciju Čennai?

KSK Mama mudināja mani izpētīt manodharmu diezgan agri. Līdz tam es biju darījis ļoti maz improvizācijas mūzikas, piemēram, alapana, neraval, swaras uc

1999. gadā, kad viņš nomira, man bija jāmācās no kāda cita, un vienīgais, ko es domāju, bija Sanjay Subrahmanyan. Es viņu pazinu jau pirms došanās uz KSK Mama, jo mūsu ģimene viņu bija satikusi viņa koncerttūres laikā ASV 1995. Pat bērnībā es biju milzīgs viņa fans un sekoju viņam reliģiski kopš 1996. līdz 1997. gadam. Ikreiz, kad biju Čennai, es mēdzu iet uz viņa koncertiem un sēdēt pirmajā rindā. Viņš mācījās arī no KSK Mama kopā ar citiem pazīstamiem māksliniekiem, piemēram, Sudha Raghunathan un P Unnikrishnan. Mani tiešām pārsteidza zvaigzne, un es arī domāju, ka ir forši, ka es mācos no tā paša guru, no kura mācījās arī Sanjay Subrahmanyan.

Lasīt | Klausītāji nāk baudīt mūziku, nevis redzēt jūsu matemātisko burvību: Neyveli Venkatesh

Tātad, kad mana guru vairs nebija, es jautāju Sanjajam, vai viņš varētu mani mācīt. Es biju pilnīgi pārliecināts par savu izvēli, taču viņš nedaudz vilcinājās, jo pēc tam, kad bija mācījies no KSK Mama, kura bija ļoti vecāka un daudz vecāka, domāja, ka man vajadzētu turpināt ar kādu no šīs paaudzes. Bet man Sanjay bija ideāli piemērots. Es ar viņu tik labi sapratu, un tas patika arī maniem vecākiem.

Kopā ar mani un Sanjay tas bija bez problēmām. Mēs mēdzām runāt par sportu, filmām, citiem mūzikas stiliem utt.

Vai jūs joprojām mācāties no viņa?

Es mēdzu no viņa regulāri mācīties līdz aptuveni 2014.-15. Pamazām nodarbības kļuva retākas, jo arvien vairāk ceļoju un viņa jau tā aizņemtais ceļojumu grafiks. Viņš arī vēlējās, lai es mācos un izvēlos pati. Tagad es esmu neatkarīgāks ar savām mācībām, taču es konsultējos ar viņu, ja ik pa laikam man rodas jautājumi par mūziku. Piemēram, pirms diviem gadiem es viņam nosūtīju ziņu, ja es varētu iemācīties pāris dziesmas, un viņš nekavējoties to apņēmās. Pat šodien, ja man ir kaut kas jānoskaidro mūzikā, es eju pie viņa.

Kā jūs zināt, cilvēki jūsu mūzikā atrod lielu Sanjay ietekmi, tostarp dažus žestus, skaņas manieres, sangathis utt.

Jā, es zinu (smejas). Bet tie, kas seko Sanjay’s un manai mūzikai, arī ir pamanījuši, kā un kad esmu atšķīries no Sanjay Sir stila. Tie, kas klausās garāmejot un zina, ka esmu viņa students, protams, radīs šo asociāciju un komentēs visas līdzības, reālas vai uztvertas.

Otra ietekme ir arī viņa pieeja pašam koncertam. Viņam piemīt zināms profesionalitātes līmenis, un tas mani ir arī noberzis, par ko es esmu viņam ļoti pateicīgs. Viņš ciena citus māksliniekus, organizācijas un auditoriju. Viņš man ir teicis: nekad nedomājiet, ka publika ir stulba. Nekad neuztveriet tos kā pašsaprotamus. Tā ir viena lieta, ko es vienmēr atceros un cenšos ievērot savos koncertos. Viņa uzmanības un nopietnības līmenis ir satraucošs: koncertā viņam pieder šī zāle, visa telpa.

Labāk ir saukt vokālistu Sandeep Narayan par mūsdienu konservatīvo, kas nozīmē, ka viņš tic mūsdienu vērtībām, pat praktizējot konservatīvo mākslu. (Express foto: Rajappane Raju)

Sanjay stils ir daudz par jauninājumiem. Cik inovatīvs esi uz skatuves?

Es varu doties uz koncertu, domādams, ka tajā dienā es kaut ko dziedāšu, bet tas ne vienmēr izdodas. Tā vietā var notikt kaut kas cits. Redziet, jūsu galvā ir daudz mūzikas, kad jūs sēžat uz šīs koncertu skatuves, jo jūs pastāvīgi klausāties un mācāties - no populāras līdz klasiskai - un pēkšņi jūsu galvā parādās kaut kas. Kad notiek šādas lietas, man patīk to izpētīt. Tā noteikti ir viena lieta, ko saņēmu no saviem guru un citiem māksliniekiem. Ja kaut kas ienāk prātā, izpētiet to. Nesaki nē. Skatiet, ko ar to varat darīt mūsu struktūras ietvaros, lai tas nekļūtu par kaut ko citu. Karnātiskais koncerts nav kinomūzikas koncerts, ne arī kodolsintēzes koncerts, taču tā ietvaros joprojām pastāv radošuma iespēja. Tā man patīk tam tuvoties.

Jūs bijāt pazīstams, ka pirmajos gados neatlaidīgi praktizējat kopā stundas. Tagad, kad esat aizņemts ar koncertiem un ekskursijām, kā jūs to risināt?

Manas nesenās ASV tūres laikā daudzi bērni man jautāja, cik daudz vajadzētu trenēties, lai sasniegtu noteiktu līmeni. Mana atbilde uz to bija tāda, ka nav formulas. Man nekad nebija formulas. Un tas noteikti ir par kvalitāti, nevis kvantitāti. Jums vienkārši jāturpina smagi strādāt un jāpārliecinās par sevi, ka kādu dienu viss noklikšķinās. Kad es dzīvoju ASV, prakse bija daudz grūtāka ar skolu, koledžu utt. Koledžā pat atrašanās vietas atrašana bija problēma, jo es koplietoju dzīvokli ar trim citiem. Bet tajos laikos es klausījos daudz mūzikas, lai to kompensētu, un, kad katru mēnesi devos mājās, es katru dienu praktizēju 2-3 stundas. Kad es pārcēlos uz Chennai, nebija tik daudz problēmu, un es varēju regulāri praktizēt vismaz 2-3 stundas no rīta un vēl 2-3 stundas pēcpusdienā vai vakarā. Es arī gandrīz katru dienu apmeklēju koncertus neatkarīgi no tā, kurš mākslinieks bija. Citiem vārdiem sakot, es tajā laikā visu laiku piepildīju ar mūziku. Liela daļa no tā bija atkārtošanās.

Atkārtošana ir zinātnes darbība. Jūs atkārtojat, jūs esat ideāls, vai ne?

Jā, studentiem šodien jāpatur prātā, ka viņiem nevajadzētu vienkārši iemācīties dziesmu un pēc tam pāriet uz nākamo. Viena lieta, kas man agri tika ieurbta galvā, bija tā, ka dziesma ir jādzied simts reizes. To zināja un darīja labākie mākslinieki, it īpaši pagātnē. Kaut kur pa vidu tas tika aizmirsts ar daudziem topošajiem mūziķiem. Un es atzīstu, ka dažreiz pat es esmu šīs attieksmes upuris: es domāju, ka esmu iemācījusies dziesmu, esmu to dziedājusi dažas reizes un tagad es vēlos to nodziedāt koncertā pēc iespējas ātrāk. Tas var darboties tajā dienā, un es varu būt drošībā, bet, dziedājot vienu un to pašu dziesmu pēc viena mēneša, diviem mēnešiem vai sešiem mēnešiem, šīs dienas versija un pirmā versija būtu jūdžu attālumā. Kad jūs pirmo reizi dziedat dziesmu, jūs to vienkārši deklamējat, bet, kad jūs to tik daudz reižu praktizējat noteiktā laika posmā, tā var kļūt par jūsu dziesmu. Jūs vairs neskaitāt kaut ko iegaumētu, tā ir daļa no jums. Es to redzu pat šodien. Atkārtošana ir viena lieta, ko gadu gaitā esmu sapratusi kā tik svarīgu. Es dziedu varnams atkal un atkal. Dažādi ātrumi, dažādi gamakam pētījumi, dažādas lietas.

Tagad ar koncertiem un ceļojumu grafikiem es neesmu varējis tik daudz praktizēt, bet es cenšos atvēlēt vismaz vienu vai divas stundas dienā. Ceļojumu dienās prakse būs kā koncerta kopsavilkums: ko dziedāt un no kā izvairīties, jo es negribētu atkārtot dziesmas un ragas, kuras es būtu dziedājis tajā pašā vietā agrāk. Piemēram, šoreiz, dodoties uz Chembai festivālu Guruvayoor, es pēkšņi sapratu, ka neesmu dziedājis Rasavilasa (Swathi Thirunal dziesma raga Kamboji) ļoti ilgu laiku. Tātad, braucot ar automašīnu no Coimbatore lidostas uz Guruvayoor, es klausījos tā ierakstu un mēģināju atsvaidzināt atmiņu. Galu galā es to neizdziedāju, jo tika pieprasīts cits dziesma, taču esmu laimīga, ka tā atkal ir manā atmiņā, un es plānoju to drīz dziedāt vēlreiz.

Karnātiskie mūziķi, kā zināms, izmanto dažādas balss tehnikas, lai pilnveidotu savu dziedāšanu, dažreiz pat ar balss speciālistu palīdzību. Vai jums ir kāds?

Es sapratu, ka mūsu mūzikā ir tik daudz iebūvētu vingrinājumu. Pat tādas pamata lietas kā sarali-varisai un janta-varisai ir vingrinājumi paši par sevi. Diemžēl tie ir atzīmēti kā iesācēju atspēriena punkts, lai apgūtu varnam, un, kad esat to pabeidzis, pārejat uz swara jathis un geetham un mēdzat neatskatīties. Bet šīs lietas ir mūžīgas. Tie ir tik labi vingrinājumi, kas mums ir paredzēti. Tas sēž turpat jūsu pirmajās geetham grāmatās. Es dažreiz dziedu tos dažādās ragās un dažādos ātrumos, vienlaikus saglabājot skaidrību. Tas pats par sevi ir tik pārsteidzošs balss vingrinājums. Man tas ir kļuvis par jautru izaicinājumu.

Sandeep Narayan uzstājas koncertā Chennai Kapali templī 2019.

Pat Varnami ir tik labi vingrinājumi. Ātrums iet lēni uz ātru, melodija bieži svārstās no ļoti zemas līdz ļoti augstai, un mēs tajā visā darām swaram, sahithyam utt. Tātad balss vingrinājumi faktiski nāk kopā ar mūsu mūziku. Mums tikai jāizpēta un pareizi jāizmanto.

Bet esmu arī apspriedies ar apmācītiem speciālistiem par iesildīšanās un atdzesēšanas vingrinājumiem, kas var palīdzēt saglabāt jūsu balsi. Mēs parasti nedomājam, ka atdzesēšana ir nepieciešama, taču tas ir tāpat kā jebkurš cits muskuļu un jebkurš cits treniņš sporta zālē, un līdzīgi disciplīna un prakse ir nepieciešama abos.

Mūsdienās ir liels pieprasījums pēc daudzveidības, un tāpēc māksliniekam ir nepārtraukti jāpaplašina savs repertuārs. Vai tas rada spiedienu uz jums?

Iespējams, pirms gadu desmitiem vienu un to pašu dziesmu komplektu varētu dziedāt atkal un atkal pilsētā pēc pilsētas, kā arī noslīpēt šīs dziesmas. Tomēr šodien, parādoties sociālajiem medijiem un digitālajām platformām, jūs to nevarat darīt tik daudz. Ja es dziedātu dziesmu vai raga vienā vietā, visi citās pilsētās to uzzinātu gandrīz uzreiz. Ja es drīz atkārtotu to citā pilsētā, viņi teiktu, ka es visur dziedu vienas un tās pašas dziesmas, un komentētu, ka varbūt es neko citu nezinu! Tāpēc jaunu dziesmu dziedāšana biežāk ir kļuvusi par nepieciešamību. Negatīvie ir tas, ka, ja jūs pastāvīgi dziedat jaunas lietas, jūs nevarat iedziļināties dziesmās, kuras vēlaties apgūt. Tātad, tas noteikti var būt liels spiediens. Kā jau minēju iepriekš, ideālā gadījumā dziesmu pirms tās publiskas prezentēšanas vajadzētu dziedāt vairākas reizes, kas var arī noslogot balsi, pastāvīgi cenšoties atjaunināt katra koncerta repertuāru.

Abhishek Raghuram intervija: “Mākslā nav pareizā un nepareizā. Man tas ir par pašizpausmi ”

Mana pieeja ir ienest svaigumu pat vecās dziesmās, papildus dziedāt jaunas. Tas attiecas ne tikai uz auditoriju, bet arī uz sevi. Ja šodien dziedu kaut ko tādu, ko dziedāju pirms 20 gadiem, un ja tas joprojām skan vienādi, tas nozīmē, ka es kā mūziķis neesmu pieaudzis. Lai gan mākslinieki, iespējams, būtu varējuši izkļūt no dziesmas dziedāšanas biežāk nekā šodien, es arī ievēroju, ka lielākie mākslinieki ne tikai atrada kaut ko, kas darbojās, un turpināja darīt to pašu. Tā vietā viņi visi lielākoties turpināja attīstīties. Jūs redzat tādas pārmaiņas un briedumu viņu mūzikā gadu gaitā.

Bet pagātnes meistariem nebija šāda spiediena paplašināt savu repertuāru

Es precīzi nezinu, kāds spiediens bija vai nebija bijušajiem meistariem. Bet man ir aizdomas, ka tā var būt taisnība, un tāpēc viņi varēja dziedāt dažas savas preču zīmes dziesmas, kas kļuva par viņu hītiem, kas mums ar viņiem asociējas. Neaizmirsīsim, ka viņi iepazīstināja ar jaunām dziesmām un raga. Ar GN Balasubramaniam mūziku es tiku iepazīstināts ar dažām hindustāņu ragām, piemēram, Durgu un Gavathi. Dažreiz viņi padarīja raga slavenu un dažreiz raga padarīja tos slavenus. Bet pat šajā pieejā bija dinamisms. Dziesma var būt viena un tā pati, bet tās radīja jaunas idejas swara dziedāšanai, neravalam u.c. Kā jūs zināt, cilvēki pat atsaucas uz šīm dziesmām pēc to ierakstīšanas datuma. Mākslinieks X Z gadā dziedāja neaizmirstamu Y dziesmu. Kāpēc cilvēki tā dara? Jo pat tad, ja dziesma vai raga ir viena un tā pati, pārsūtīšana nav. Ja jums liekas, ka pēc četriem koncertiem mākslinieks izklausās vienādi, iespējams, negribēsit viņu vairs klausīties. Veiksmīgi pagātnes un mūsdienu mākslinieki vienmēr ir izvairījušies no iekļūšanas šajā slazdā. Katrā priekšnesumā viņi nes kaut ko citu.

Sandeep Narayan uzstājas koncertā Kārnegi Melona universitātē, Pensilvānijā, 2013. gadā.

Daudzi pagātnes meistari, kurus cilvēki elko tagad, viņu laikā netika pienācīgi atzīti. Vai jūs sekojat kādam viņu darbam?

Bija daži mākslinieki, kurus mēs bieži uzskatām par nepietiekami novērtētiem savā laikā, salīdzinot ar viņu faktisko kompetenci un ieguldījumu. Cilvēki vienmēr runā par MD Ramanathan kā tā piemēru. Man šķiet, ka arī Thanjavur S Kalyanaraman bija tāds. Un, lai gan Madurajam Somasundaramam savā laikā bija diezgan daudz panākumu, šķiet, ka viņš joprojām nez kāpēc neiekļūst vēstures grāmatās līdzvērtīgi dažiem tā laika vienaudžiem. 2019. gadā daudzviet svinējām viņa dzimšanas simtgadi, Somu 100, taču pirms tam jūs diez vai dzirdētu, kā pēdējos gados cilvēki apspriež viņa vārdu un viņa mūziku. Man tas liekas diezgan dīvaini.

Vai nav dīvaini, ka cilvēki tagad vairāk runā par Kalyanaraman?

Šodien viņš ir kulta varonis. Es domāju, ka būtībā viņš bija priekšā savam laikam. Patiesībā es dzirdu daudz interesantu anekdotu par SKR no viņa mācekļiem, ģimenes locekļiem un draugiem, kuri viņu personīgi pazina. Viens no tiem ir tas, kā viņš veica daudz pētījumu par balss paņēmieniem, lai uzlabotu savas spējas. Šo metožu dēļ viņš varēja saglabāt precizitāti sruthi un laya. Patiesībā man teica, ka viņš mēdza naktī sēdēt viens, kad viss bija kluss, un veikt balss vingrinājumus. Viņš arī bija izpētījis dwi-madhyama panchama varjya ragas-kaut ko tādu, ko neviens īsti nebija izpētījis, un bija vivadhi ragas eksperts. Mūsdienās cilvēki ar lielu bijību raugās uz viņa darbu. Vai vismaz es noteikti to daru.

Ikreiz, kad man jautā, kurš ir tas cilvēks, kuru es vēlētos, lai es būtu varējis satikt un pavadīt kādu laiku, viņš vienmēr ir tas, kas man ienāk prātā.

Tā kā jūs nākat no citas sociāli kulturālās vides un esat pakļauts citiem mākslas un mūzikas veidiem pasaulē, vai tas ietekmē jūsu mūziku?

Es vienmēr esmu klausījies daudz rietumu popa, roka, R&B, Hip Hop u.c. Pat šodien es to klausos. Mani Spotify atskaņošanas saraksti ir ASV un Apvienotās Karalistes mākslinieku, kā arī indiešu sajaukums. Nekarnatisku mūzikas stilu klausīšanās man bieži ir izlaidums vai atvieglojums. Karnātiskā mūzika vienmēr liek man dziļi koncentrēties un pastāvīgi ieslēdz smadzenes. Vienīgais veids, kā to izslēgt vai pārtraukt pārtraukumu, ir klausīties citus stilus. Bet es nezinu, cik daudz tas ir ietekmējis manu Carnatic mūziku. Es nedomāju, ka varu karnātikā ienest repu vai hiphopu (smejas)!

Bet populārajā mūzikā vai citos veidos varētu būt elementi, kas varētu bagātināt vai papildināt jūsu klasisko mūziku

Es teiktu, ka, iespējams, vecās filmu dziesmas mēdz atvieglot Carnatic mūziku, it īpaši, ja tās ir balstītas uz raga. Vai dažādi ritma modeļi no citiem stiliem. Tie var nebūt tradicionāli, taču mēs varam tos vieglāk iekļaut mūsu mūzikā. Parasti mazliet no Jazz, jo ir daudz paralēlu. Es nedomāju, ka rokmūzika ir pārāk piemērota Carnatic, neiedziļinoties fusion žanrā.

Es uzskatu, ka džezs ir rietumu vai drīzāk amerikāņu ekvivalents Carnatic mūzikai. Abas ir līdzīga improvizācijas mūzika. Es bieži brīnos, kāpēc cilvēki neizmēģina džeza tehniku ​​Carnatic mūzikā, jo tas padarītu koncertus krāsainākus, pat nezaudējot klasicismu vai nopietnību

Jā, jums ir taisnība, džezs ir vistuvāk Carnatic. Tā kā klasiskais termins ir klasisks, visi pēc noklusējuma salīdzina Dienvidindijas vai Ziemeļindijas klasisko mūziku ar rietumu klasiku. Bet, ja paskatās uz tehniskajām īpašībām un koncerta prezentāciju, džezs vairāk līdzinās Carnatic mūzikai. Piemēram, kamēr viņiem ir atturas, mums ir rindiņa no dziesmas vai pallavi raga-tanam-pallavi. Pallavi ir tas pats, kas atkāpties kā džezā un atkal un atkal darīt improvizāciju. Tanam tikmēr ir līdzīgs scatting. Mēs ņemam tikai dažas zilbes, kurām nav liriskas nozīmes un kuras sajauc melodiju un ritmu.

Vēl viena paralēle ir vajadzīgo prasmju līmenis

Pat apmācības ziņā tā ir ļoti līdzīga Carnatic mūzikai. Viņu prasmes vai apmācība var būt, kā dziedāt, spēlēt klavieres, saksofonu vai bungas. Tā ir tehniska apmācība. Un viņi daudz klausās. Džeza mākslinieki pastāvīgi spēlē vai kaut ko klausās. Kad viņi apgūst tehniskās prasmes, pēc noteikta brīža viņu radošums ienāk, jo viņi arī daudz klausās. Viņiem ir tehniskā pieredze, lai darītu visu, kas ir viņu galvā. Šis ziņojums no smadzenēm uz jūsu balsi vai pirkstiem tiek rūpēts jūsu tehnisko prasmju dēļ. Tas pats ir arī Carnatic.

Fotogrāfija no MadRasana Gopala Gokula Music video uzņemšanas.

Bet ir dīvaini, ka džeza mūziķi ir nākuši no nabadzīgas vides, turpretī Carnatic ir atšķirīgs sociāli kulturālais profils, kas dažreiz tiek apsūdzēts pat par ekskluzīvu

Iespējams, tas ir saistīts ar to, kā kultūra attīstījās kopienā. Jā, demogrāfiskie dati ir ļoti kontrastējoši, turpretī apmācība, stils un ideju radīšanas veids ir tik līdzīgi. Tāpat kā paralēla struktūra. No gandrīz sākuma.

Bet filmā Carnatic vai improvizācijā nav kāda veida pulka, jo to kontrolē veca konservatīva sistēma?

Es teiktu, ka pat džezā joprojām ir daži noteikumi: viņiem ir ritmisks cikls un, lai gan viņi neseko raga, kā mēs, viņiem ir režīms vai skala. Ir dažas piezīmes, kas tiek izmantotas šajā režīmā, piezīmju secība var nebūt ļoti stingra, un reizēm tās ienesīs svešu noti tikai kontrasta dēļ, taču tās atgriežas. Viņi lielākoties seko saviem svariem, kas ir līdzīgi tam, ko mēs darām. Jā, jums tomēr ir taisnība. Karnātiskajā mūzikā es uzskatu, ka ir daži cilvēki, kuri cenšas uzspiest daudz noteikumu.

Dažreiz pat neliela nepilnība izklausās labi, vai ne?

Es neticu pareizai un nepareizai pieejai. Tas ir vairāk kā labs un slikts. Un to var spriest, pamatojoties uz mākslinieka pieredzi un briedumu. Piemēram, ragai ir identitāte. Jums nav jādzird visas skalas piezīmes, lai zinātu, ka tas ir Todi vai Sankarabharanam. No vienas frāzes jūs varat zināt, kas ir raga. Kā atpazīt ragu, pat ja neesmu dziedājis visas notis? Un no kurienes tas pareizais un nepareizais? Mūzikas prezentācijai vajadzētu būt par estētiku un tās radīto saikni. Man personīgi nepatīk šādu noteikumu noteikšana par katru sīkumu.

Iepriekšējo dziedātāju, piemēram, Madurai Somu, un mūsdienu mūziķu, piemēram, Sanjay Subrahmanyan, mūzikā ir daudz netradicionālu elementu, kas padara tos par žanriem. Vai jūs neesat iedvesmojis darīt kaut ko līdzīgu?

Viņi abi man noteikti ir ļoti iedvesmojoši mākslinieki. Bet es nevēlos apzināti darīt kaut ko netradicionālu tikai sava žanra dēļ. Varbūt kādu dienu es atskatīšos un redzēšu, ka esmu darījis netradicionālas lietas, bet es vēlētos, lai tas viss būtu dabiski un nonāktu īstajā laikā pats no sevis. Varbūt tas novedīs pie cita žanra, kā jūs sakāt. Daudzas reizes man vienkārši patīk kaut ko klausīties un novērtēt tā skaistumu, nevis to sadalīt un izlemt, vai tas ir parasts vai ir ienācis jaunā telpā. Jaunās telpas organiski veidosies, kad es augu, un manai mūzikai nobriestot vēl vairāk.

Cik svarīga ir jūsu saikne ar auditoriju?

Man tas ir ārkārtīgi svarīgi. Ja es dziedu zālē, kas ir tumša, es lūgšu organizatorus ieslēgt gaismas, jo es nevēlos dziedāt pie melnas sienas. Es gribu redzēt cilvēkus, viņu acis, viņu reakcijas, visu. Man tas tik ļoti barojas. Ja es nejūtu, ka viņi ir ar mani vai viņi nereaģē pozitīvi, es uz vietas mainu savu kursu. Tā ir saruna. Klausītāji reaģē un sazinās ar mani savā veidā. Kam mēs bez publikas dziedam? Tie ir neatņemama koncertu pieredzes sastāvdaļa. Kad man ir ļoti atsaucīga publika, es jūtu, ka varu dziedāt jebko. Šajās dienās es jūtos kā supermens. Ja es nesaņemšu nekādu atbildi, es pat varētu sākt šaubīties par sevi.

Vai jūs izmantojat saikni ar auditoriju kā paņēmienu, lai saņemtu viņu atsauksmes?

Es domāju, ka pirmajās pāris dziesmās jūs atradīsit auditorijas kabatas, kas patiešām reaģē uz jūsu darbību. Manas acis un fokuss dabiski atgriezīsies pie tām. Es to nedaru apzināti, bet tas notiek instinktīvi. Dažreiz instinktīvi jūs uz viņiem skatāties vēl vienu sekundi, lai viņi apstiprinātu to, ko jūs dziedat, jo viņi līdz šim brīdim klusējot sniedza man šīs atsauksmes.

Vai Chennai auditorija ir atsaucīga?

Ak jā, pilnīgi. Jums jāatceras, ka Chennai publika ir pakļauta tik daudz mūzikas, tāpēc vidējā rasika Chennai ir diezgan izglītota Carnatic mūzikā. Ir iemesls, kāpēc visi šeit ierodas no visas pasaules. Kāpēc es pārcēlos no LA uz Chennai? Izveidot vārdu šeit patiešām ir izaicinājums. Auditorijas šeit ir ļoti zinošas, taču sniegs jums godīgas atsauksmes.

Sandeep Narayan saka, ka dažās vietās var izvairīties, piemēram, pierobežas triki, bet Čennai jums jābūt uzmanīgam, jo ​​auditorija to visu ir redzējusi. (Express foto: Rajappane Raju)

Cik dāsni viņi sniedz atsauksmes?

Dažās vietās jūs varat izvairīties no dažām lietām, piemēram, pierobežas trikiem, bet Čennai jums jābūt uzmanīgam, jo ​​auditorija to visu ir redzējusi. Varu teikt, ka esmu apceļojusi pasauli un dziedājusi visām auditorijām, bet Čennai atbildēs, ka man vienalga, kur tu esi devies, tev tagad jādzied man. (smejas)

Tas ir pazemojošs daudzos veidos. Saņemt pozitīvu reakciju no Chennai auditorijas nozīmē daudz. Un viņi reaģē, dod to, kur pienākas. Ja jūs mēģināsit kaut ko darīt, lai saņemtu viņu atzinību, viņi to redzēs. Bet, ja jūs un jūsu mūzika būs īsta, viņi atbildēs. Jūs varat būt pārsteigts, kad viņi kaut ko novērtē, kad jūs to negaidījāt. Tā var būt realitātes pārbaude.

parādi man platana koka attēlu

Tas ir Čennai ekosistēmas skaistums, jo tas uztur šo Carnatic tradīciju. Vai ne?

Jā. Ekosistēma attiecas ne tikai uz māksliniekiem, bet arī uz auditoriju. Bez tiem mēs, iespējams, nespiežam savu mūziku tik daudz augstāk. Es vienmēr saku studentiem un māksliniekiem, kuri dzīvo ārpus Čenajas, lai viņi ierodas šeit un redz, ko savas vecuma grupas cilvēki vai vienaudži dara muzikāli.

Laba fit ir veiksmīga Chennai un citur, vai ne?

Tas ir ideāls līdzsvars. Šeit jūs patiešām uzlabojat savas prasmes. Tikmēr, uzstājoties citās vietās, jūs iemācīsit, kā dažādām auditorijām prezentēt atšķirīgi. Abi ir nepieciešami veiksmīgam izpildītājam.

Vai improvizācijas izaicinājums padara jūs neaizsargātu uz skatuves?

Es uzskatu, ka uz skatuves vajadzētu būt nedaudz ievainojamam. Man ir skumji, ja māksliniekam šķiet, ka tam, ko viņš vai viņa gatavojas prezentēt uz skatuves, ir jābūt perfektam. Brīdī, kad sākat to darīt, jūs neizpētāt un nepaplašināt savu muzikālo radošumu tik daudz, cik spējat. Tagad jūs vairāk uztraucaties par komerciālo paketi. Jūs mēģināt saglabāt savu izveidoto zīmolu vai nosaukumu. Ir jābūt līdzsvaram starp standartu, ko esat noteicis, vienlaikus pētot radošumu. Tas nozīmē, ka jums zināmā mērā ir jābūt neaizsargātam auditorijas priekšā.

Kad kāpju uz skatuves, kāda mana daļa ir pārliecināta un saka: Labi, šī ir mana komforta zona. Bet, ja es darīšu tikai to, ko es zinu, ka tas ir drošs un jau pārbaudīts, tad kā es varēšu pāriet uz nākamo līmeni kā mākslinieks? Ievainojamība, uz kuru es atsaucos, ir atvērt sevi auditorijai un teikt: hei, es kaut ko mēģinu un redzēsim kopā, kā tas notiek. Tā ir arī daļa no sarunas, par kuru runāju iepriekš.

Sandeep Narayan uzstājas koncertā Kuthiramaligai, Thiruvananthapuram, 2015. gadā.

Vienā no mūsu ASV turnejas koncertiem es izmēģināju sarežģītu korvaju, ko biju pietiekami praktizējis, bet tas nedarbojās tikai, kamēr es biju uz skatuves. Tas nedarbojās vienu, divas reizes un trešo reizi es domāju, ka tas notiks, bet tas nenotika. Tajā brīdī kaut kas manās smadzenēs izslēdzās. Ja es būtu saņēmis klusuma minūti, lai to pārdomātu un izstrādātu, es būtu varējis to izturēt; bet talam turpinājās, publika skatījās un nebija laika domāt. Visbeidzot, es pabeidzu ar citu korvai. Bet, kad mridangamas mākslinieks sāka spēlēt solo, viņš pareizi spēlēja korvai. Es uzreiz pievienojos un dziedāju to kopā ar viņu. Tad es paziņoju skatītājiem, ka tas ir tas, ko es mēģinu dziedāt. Es arī teicu, ka, ja es to nebūtu dabūjis, es nebūtu varējis gulēt tajā naktī! (smejas)

Šīs nepilnības padara koncertus neaizmirstamus, vai ne?

Es tā domāju, bet es nevēlos, lai šādas lietas notiktu bieži. Ja kaut kas notiek dabiski un organiski, tas ir labi. Notika kaut kas ārpus plāna, un es biju caurspīdīgs. Es domāju, ka tā ir ievainojamība, par kuru mēs runājām. Es vēlos, lai mans koncerts būtu pēc iespējas īsts.

Kā plānojat koncertu?

Es cenšos neatkārtot ragas un kompozīcijas, ko esmu dziedājis tajā vietā nesenā pagātnē, taču jūs nevarat izvairīties no atkārtošanās, ja vēlaties iekļaut ganas raga, jo to ir tikai ierobežots skaits. Un parasti, ja es izvairos no tiem koncertā, cilvēki, protams, jautās, kāpēc nebija Bhairavi, Thodi vai Kamboji utt. Un arī viņiem ir taisnība. Droši vien, lai izvairītos no atkārtošanās, es dziedāšu citu skaņdarbu vai kādu dienu izmantošu Gana raga Pallavi un citu dienu kā galveno utt.

Otra lieta ir iegūt dažādus komponistus un talamus. Un arī ragu dažādība kontrasta ziņā. Jums ir jāņem līdzi klausītājs šajā ceļojumā, un tādējādi jūs dodat zināmu dažādību.

Tas ir atkarīgs arī no tā, kur es dziedu. Tamil Nadu valodā es dziedu vienu vai divas tamilu dziesmas, Karnatakā - vienu vai divas kanādiešu dziesmas un Keralā vienu vai divas Swathi Thirunal dziesmas. Sajauciet zināmās dziesmas un pievienojiet vienu vai divas retas. Mums ir pastāvīgi jāsabalansē. Tā es tuvojos koncertam. Vai pēc kāpšanas uz skatuves es varu mainīt sarakstu? Jā, visu laiku. Pēc tam, kad esmu sasniedzis norises vietu un redzējis auditoriju, es dažreiz domāju, ka mans plāns nedarbosies labi, un tāpēc es varu mainīt spēles laiku!

Kad koncerta laikā cilvēki nāk pie jums ar lūgumiem, vai viņi izjauc jūsu lietu shēmu?

Ja saņemšu pieprasījumu iepriekš, to ir vieglāk iekļaut savā koncerta plānā. Dažreiz šie pieprasījumi arī atbilst jūsu domāšanai. Dažreiz viņi to nedara, bet es neiebilstu. Katrā ziņā es cenšos izpildīt lielāko daļu lūgumu, ko saņemu koncertu laikā. Galu galā mūsu uzdevums ir dziedāt to, ko vēlas publika.

Daži dziedātāji savā repertuārā pievieno jaunas kompozīcijas, lai apdomātu savu koncertu? Teiksim, par piemēru mūsdienu dzejas pievienošanai kā kompozīcijai vai Pallavi.

Es, iespējams, nedaru to aktīvi, jo tur jau ir tik daudz. Varbūt tas ir kaut kas, ko es apzinīgāk darītu ceļā, kad jūtu, ka ir īstais laiks.

Kāda ir jūsu pieeja ragu izpētei?

Parasti ir skelets bieži dzirdētām ragām, un mūsu uzdevums ir to radoši aizpildīt. Ganas ragas šajā ziņā piedāvā daudz iespēju. Un lielākajā daļā ragu vienmēr ir noteiktas sangatas, kurās varat atgriezties, ja jauns jūsu izvēlētais ceļš nedarbojas. Kad es dziedu šīs ragas, es jūtos pārliecināts, ka varu vairāk izpētīt un eksperimentēt, vienlaikus atgriežoties pie laika pārbaudītajiem modeļiem un pārejām.

Tad ir ragas, kurām nav ietvara un šablona, ​​jo tās gandrīz nemaz netiek dziedātas. Šī ir otra galējība. Šeit jūsu brīvība nāk no tā, ka ir maz iepriekšējas izpētes. Kad es dziedu šādas ragas, es varu mēģināt izdarīt daudz jaunu lietu, jo kurš nāks un pateiks, ka es to nedziedāju pareizi? Nav ne jausmas par to, kas šajā gadījumā ir pareizi un pieņemami.

Sandeep Narayan saņem balvu Mūzikas akadēmijā.

Kā tu izturies pret reti dziedātajām ragām? Kā jūs tos attīstāt ar ierobežotām kompozīcijām un atsaucēm?

Pieņemu, ka, pieaugot manam muzikālajam briedumam, man galvā iešaujas dažādas lietas. Piemēram, reti dzirdētā raga, piemēram, Deepali, izņemot dažus sangatus un skalu, nav daudz noteikts. Šādos gadījumos es varu paņemt piezīmi un izlemt, ka tas ir mans nosēšanās punkts. Parasti neviens neteiks, ka tas ir nepareizi. Bet jūs paņemat vecāku un labi zināmu raga līdzīgu Devamanohari-un maināt nosēšanās piezīmi, tā izklausīsies neveikli, jo tā jau zināmā veidā ir ieklausījusies klausītāju prātos. Šādos gadījumos raga identitāte sāk pārveidoties par kaut ko citu.

Bet daži no šiem retajiem ragiem ir hindustāņi. Vai nevarat izmantot Hindustani atsauces?

Jūs varat, bet viņu gamakas ir dažādi. Raga pieeja ir atšķirīga. Jūs varat zināmā mērā atdarināt Hindustani- sakiet, ka varat Pantuvarali likt izklausīties kā Basantam vai Puriya Dhanashree. Tās pašas notis, dziedājot hindustāņu stilā, skanēs citādi.

Vai jūs to dažreiz darāt?

Jā. Man patīk (smejas). Tā ir personīgā izvēle.

Tas man atgādina TN Seshagopalan ierakstu par Pallavi, kurā viņš dzied paralēlas frāzes starp Carnatic Bhairavi un Sindhu Bhairavi (kas ir kā Hindustani Bhairavi). Šīs lietas man ir patiešām foršas, taču jums jābūt uzmanīgam, lai netiktu nomaldīts piezīmēs, kas ir kopīgas ar citiem ragiem. Tā nav viegla lieta.

Jūs esat diezgan izteiksmīga dziedātāja. Kā tu emotē? Piemēram, vai jums ir personīgi jāizjūt uzticība, lai garīgā dziesma darbotos?

Ne visos, bet dažos gan. Daudzas reizes dziesmas nozīme palīdzēs izcelt emocijas. Dažreiz emocijas ir pašā ragā. Dažreiz tas var būt saistīts ar dziesmu vai saikni ar komponistu. Piemēram, mēs zinām, ko nozīmē Gopalakrishna Bharathi dziesma varugalaamo Manji. Es nedziedu šo dziesmu, domājot par sevi kā par to, kas ilgojas redzēt dievību, bet man rodas emocionāla domāšana par komponistu, kurš ir tik skaisti uzrakstījis un aprakstījis šādu situāciju.

Vai ir kāda raga, ar kuru pēdējā laikā jūtat emocionālu saikni?

Pēdējā laikā man ir kāda saistība ar Thodi. Manas saiknes ar ragām raksturs katram ir atšķirīgs un nemitīgi mainās. Tas var izklausīties klišejiski, bet es uzzināju, ka ir iemesls, kāpēc tik daudzi mākslinieki īpaši atgriežas pie šīs raga un kāpēc tai ir tāda reputācija. Tās ir tikai septiņas piezīmes, bet ir kaut kas tik milzīgs. Man liekas, ka eju pa Thodi tuneli un arvien vairāk uzzinu par raga, kad to dziedu, un, kad domāju, ka varētu būt ārā no tuneļa, es saprotu, ka ar šo brīnišķīgo raga ir vēl daudz ko darīt, un es iedziļinos vēl dziļāk.